“国画一词起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。”
国画是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的*治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认知。
·今天来简单普及一下如何看懂中国画
要了解中国画首先要了解中国画的特点，可以说，中国画有很明显的三个特点：
散点透视西方画重视结构、透视，而中国画不然，中国画讲究散点透视，跟西方画整体形成透视不同，中国画是从多个角度表现事物透视，而从整体而言，并不构成透视。
因此中国画最擅长的不是描摹和再现生活，而是颇为抽象的写意，或者说重意向或心象。
文人性中国画在宋代以前，“形神兼备”是最高准则，但是到宋以后，随着文人的介入特别是山水画的勃兴和花鸟画的繁荣，中国画日益走上了另一条道路，评判标准中对“形”的问题有所轻视，更多的讲究的讲究的是一种韵味和意境。
诗性正是由于文人对书画的影响，宋代以来诗画一律的观点成为主流，苏东坡称王维：“诗中有画，画中有诗。”无论是诗还是画，都提倡“寓意于物”这是超越物质占有的审美胸怀。中国画讲究脱离“形”的桎梏，用意向的手法去寻找诗的境界。所以西洋画画静物盘子里的蔬果等，中国画画“活物”，风中的竹子、水中的游鱼、高空中的大雁等。认为画有生命的东西便有了生气和诗的韵味。
（西洋静物油画）
（唐代王维作品）
由于上述中国画的特点，就西方画作来说，中国画的年代感相对难以看出
然而，中国画似乎没有这么翻天覆地的变化，中国传统绘画面貌无论从构图、色彩、内容都会让人产生相似感，如果对绘画没有特别深厚的研究，也许你可以一眼看出梵高的作品，然而却难以辨认出唐伯虎的画作。
是的，无论宋元明清山水画的布局、构图、用色都有似曾相识的赶脚不外乎就是些大山大水
而对于人物画
其实大多也是仕女、高士图侍女一般执花招猫逗狗，高士一般对泉吟诗弹琴的，花鸟画外行人更觉得大同小异。
为什么会产生这样的现象？简单的来讲，西方绘画讲究的是破旧立新，不破不立。而中国画讲究的是“传承”。
我们都知道中国传统文化中，非常讲究“师承”，古代人作画的时候比起推成出新，他们在意的是如何传承前人的经验，更有许多子承父道的经典案例。比如唐代有名的大小李将*：李思训和李昭道。
（唐代李思训作品《江帆阁楼图》）
（唐代李昭道《明皇幸蜀图》）
当然如果只有传承，做得再好的学生也无法超越老师。纵观整个中国绘画也明没有裹足不前，大师们一代一代的涌出，他们也有“承先启后的作用”。
他们既踏着前人的足迹，也有容融合时代特色，在一些精妙细节和及以上更胜一筹。
中国画的意境到底是什么？我们中国人无论在吟诗还是作画都讲究一个意境。意境呢，确实是一种无可言说的能令人感受领悟、意味无穷的意蕴和境界，讲究情景交融、虚实相生，活跃着生命律动的韵味无穷的诗意空间。留白就可以创造出这种意境留白的地方，不意味就是空的，这种留空代表的是-种被省略的事物
例如，齐白石的虾这幅画就能说图里只有虾，而是顺势就能想到虾是畅游在清澈的湖水或是河流中。
留白的概念就是不把白的地方看作为空白的无，反过来要把“无”看成“有”这种观念与中国文化中的易、道的思想有着密切的关系。而这种留白也自然给与人们一定的想象空间比如这幅《墨兰》图，
虽然画上只有一一个兰花，寥寥几笔，也没有交代背景，但是你可以想象它生在一个春暖花开的时节里，有着肥沃的泥士和明媚的阳光，而对于在中国山水画的构局。中国古代人把这种留白称之为一种气运。
画中空白与画的布局、构体之间的虚实关系，画中结体有一种饱满的张力，布局空白也有"气运”的存在在画中流布,趋势相生。
总之中国画讲究意境、讲究虚中有实,白而不空也构成我们中国传统画作中重要的风格。
而这种风格,需要我们提升审美品位
慢慢去品位其中的奥妙
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