梵高临摹过很多法国画家米勒的作品，比如他的“午休者”，就是临摹米勒的“午休者”。
但梵高是没有见到过米勒作品的原作的，只看到过作品的黑白印刷品。所以，梵高并知道米勒用了什么颜色。他只能用想象，填补自己的颜色。
午休者，米勒，，私人收藏午休者，梵高，-91，奥塞博物馆
没见过原作，对原作的颜色一无所知的情况，其实在艺术史上很普遍。在彩色印刷/摄影技术出现之前，人们对艺术作品的研究和学习，全靠艺术作品的黑白复制品。颜色，似乎并不重要。
如果翻看以前艺术史大师撰写的文献资料，也会发现，书中只使用黑白复制品，文字上也是重点描写背景、风格、线条、形态和图像等，基本没有对作品“颜色”进行分析和解读。
欧文?潘诺夫斯基，《尼德兰早期绘画艺术》，贡布里希，《艺术与错觉》，
艺术史学者对古代艺术作品的“颜色”不感兴趣，除去特定时期技术发展的考量，还有一个原因，就是研究古代艺术作品里的“颜色”，是一件很难的事情。
难点1.时间与颜色
时间的流逝，会让艺术作品的颜色消退、变化、甚至消失。有些伟大的古代艺术家，很早就意识到了时间对颜色的作用。他们在创作之初，就思考数百年后其作品颜色的可能状态，丢勒、提香、委罗内塞，都曾留下过相关的思考文字。
艺术作品的颜色，其实是由艺术家和时间共同创作完成的。在时间的长河里，艺术作品的颜色不稳定、可变的性质，让研究者难以准确把握和取舍。
被驱逐的亚当和夏娃（修复前和修复后），米开朗基罗，-12，西斯廷礼拜堂
在对古代艺术作品进行修复时，常会面临“是否按照艺术家的初始创作意图，将作品颜色还原至初始颜色”的问题。这是个很复杂的问题，我们有时是无法确定什么颜色是“艺术家的初始创作意图”的。因为，艺术家的初始颜色，可能是其脑海里预想的数百年后的颜色状态，而不是在创作之时实际使用的原始颜色。
还有，在时代更替过程中，因不同时代审美的不同，艺术品的颜色可能被后代艺术家人为修改。有时候，可能还被修改很多次，反反复复。
13世纪，巴黎圣礼拜堂内
上图是建于13世纪的巴黎圣礼拜堂内一角。中世纪的作品，但图中除了玻璃外，雕像和建筑结构部分的颜色，都在17、18世纪被重绘过。而图中右下角的百合造型和颜色，是19世纪的产物。
这种时代更替中的颜色的人为修改，也会让研究者头疼：寻找最贴近艺术家本人意图的颜色是不是有意义？如何在不同时代里的颜色间做取舍？
难点2.光线与颜色
艺术作品是给人看的。给人看，就要有光。
我们常去博物馆，在室内观看古代艺术作品。有一个事实常被忽略：我们多是在有电灯照明的室内环境里，欣赏艺术作品的。
但在19世纪电灯被发明之前，室内的照明，主要靠火焰，火把、蜡烛、或煤油灯（窗户的出现也比较晚）。火焰的光和电灯的光，是完全不同的。
火焰的光，是跳动的。而跳动的火焰，会在视觉上，让人有“物体的形状和颜色是处在变化中”的错觉。古代人相信颜色是恒久变动的，亚里士多德就认为，颜色是流动的、是运动的。而电灯的光，是稳定的。
其次，火焰的光，是不均匀的。火焰无法均匀照亮物品表面，尤其是对大幅画作。在火焰光线里观看艺术作品，总有一部分明亮有一部分处在阴影里。而电灯的光，是均匀的，可以全方位的照亮艺术品的每一个角落。
这就意味着，在欣赏同一幅画作时，古代人看到的和我们看到的，完全不同。
古代艺术家在艺术创作时，是在室内火焰照明这一特定条件里思考颜色的问题。那么，研究古代艺术作品的颜色，是不是要退回到火焰照明的状态里去才更准确？
但问题是，这么做，会脱离现实，因为现在的我们，是不可能退回到火焰照明的条件下去欣赏艺术作品的。我们依旧会去博物馆，在电灯提供的全方位、均匀光源的温暖环境里，欣赏和享受艺术。
难点3.色彩知识的发展与变化
知识认知是前进、发展的。对于颜色的知识认知，古代和现当代之间，有很大不同。
现当代的人都知道绿色是由*色和蓝色调和而成的。但这种认知，源自17世纪牛顿提出的色彩理论。
比如牛顿认为彩虹是由7种颜色组成的：红、橙、*、绿、蓝、靛、紫。而绿色，就是在*、蓝之间。
但在牛顿之前，没有人相信*色+蓝色=绿色。中世纪的色彩排序理论有很多，比如下图中的彩虹是由5种颜色组成的：蓝、*、绿、金、红。其中绿色就不在蓝、*之间，而是在*、金之间。
关于彩虹的课程，BartholomaeusAnglicus，14世纪末，圣日内维耶图书馆
再比如暖色和冷色的概念。蓝色对今天的人来说，是冷色调。歌德在他年的《色彩论》一书中，说：蓝色，传递不安、脆弱和怀旧的情绪，给人一种冷的感觉。
但是17世纪之前，蓝色不但被认为是暖色，甚至还被认为是最暖的一个颜色。
色彩论，歌德，，歌德故居
现在的有些色彩理论，在17世纪之前是完全不存在的。比如在17、18世纪出现，19世纪盛行并成为真理的“原色/互补色”概念。但我们无法使用“原色/互补色”这么一个全新的概念，去研究和解释17世纪之前的艺术作品的颜色。
对色彩理论知识认知的不同，也增加了研究古代艺术品的“颜色”的难度。
另外，黑白印刷/摄影技术的限制也是一个难点。艺术作品的黑白印刷品让艺术史学家们无法研究“颜色”，颜色研究被忽视的同时，也导致对颜色的研究方法没能系统的建立起来。不管，对颜色研究的忽视，也让之前艺术史学家们在没有颜色干扰的情况下，更加专注于古代艺术作品的细节、风格和形态。
随着技术条件的发展，研究颜色的难度要改善了很多。现在很多学者都在研究颜色的社会功能、颜色的词汇学、色块的使用、涂染方法、颜料的研制方法、服装的颜色、旗帜色彩、颜色的意义等等。这些领域的研究难度要小一些，但当进入诸如美学、情感、情绪、诗韵表达等领域时，颜色研究依旧很困难。
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